继续继续
第二种艺术起源是游戏说，这种理论观念在18-19世纪中出现，也被称为“席勒-斯宾塞理论”。
席勒自然就是我们一开始讲艺术本质中审美本质论的提出者，而斯宾塞则是19世纪的英国哲学家，也是社会达尔文主义之父。
虽然建立者和发展者是上面的这两位，但是真正的游戏说奠基者是18世纪德国作家康德提出的，康德在其《判断力批判》一书中，也提到过“自由游戏”的概念。但可惜也仅此而已，并没有形成一个成体系的理论学说。
当然再往前追还能追到柏拉图这个万物起源，不过和康德一样仅仅是提出了一个创想而已啦(*ﾟ∀ﾟ*)

那么在席勒的理论中，认为人是由感性冲动和理性冲动所构成的，这两者之间的矛盾形成了人格的割裂，而游戏冲动则消耗掉了人多余的精力，使人在两种冲动之间形成平衡，而席勒认为这个游戏的本能就是艺术产生的来源。
举一个更好理解的例子，假如现在有一个肥肥正在享受摆烂的状态，这个状态就是他的感性冲动；而肥肥的意志告诉他说你需要看书变成更好的人！这就是他的理性冲动。那么现在这个肥肥就是非常痛苦的，因为他的冲动收到了自然的约束。
在这个时候，席勒是怎么说的呢？
席勒：( ﾟ∀ﾟ)看你这么闲，不如冲一发吧
于是肥肥就用自己多余的精力去冲了一发，冲完这一发回来神清气爽，也不再纠结了，回到了自己的日常生活轨迹中。而席勒认为冲的过程中人的感性需求得到了满足，于是冲突便不在产生，这就是艺术的作用，消耗了人过剩的精力。

后来发展着斯宾塞又在席勒的理论中作出补充，他认为游戏这种形式就是一种不存在实际功利目的的行动，不具备任何维持生活的功能性。而审美和艺术的创作本质上也是一种无功利性的行为，不会影响到生活的维持，所以游戏本能就是艺术的来源。
不过另一位发展者不太认同这种理论。德国心理学家谷鲁斯对这种观点进行了另一方面的解读，他认为游戏并不是完全没有目的的，而是在轻松的游戏环境中为将来的生活做准备。
举个例子来说，斯宾塞认为我们现在玩LOL，CSGO这些游戏跟我们的日常生活有很大差距，具有无功利性。而谷鲁斯认为这种游戏虽然和现在没关，但是当未来进入到战争状态下这些游戏所锻炼形成的战斗意识才是游戏的真正目的。

po:(*ﾟーﾟ)所以我什么时候才能变成长着恶魔翅膀和恶魔尾巴的萝莉魅魔呢谷大师

这种理论在19-20世纪非常受欢迎，因为当时从事艺术领域的人们大多都是一些皇宫贵族（艺术创作者除外），在他们眼里游戏性很好的说明了自己无欲无求，追求自由的精神，暨艺术的无功利性。
但是这种说法的确有大毛病，就是把艺术的产生归结到了人类的游戏本能，可他没说人类的游戏本能是什么啊？也就是说这种理论属于二次来源，并没有直接说清楚其产生的真正原因。

当然，几位老师的书上也都写了这种说法还忽视了人的主观性，因为这种观点认为动物也能产生艺术。不过关于这一点popo不太认可，凭什么动物不能产生艺术欣赏美，大猩猩之间都已经有流行装饰的概念了，你们人类怎么老是这么高高在上啊( `д´)

第三种艺术起源就是表现说，但是这种说法始终是主流观点中支持者最少的，所以就简单说一下了。

这种观点和艺术本质中的主观精神说是同一个想法，19世纪末意大利美学家克罗齐认为“直觉即表现”，他认为直觉的来源就是情感，所以艺术的产生就是人类情感的表现。
换句话来说，克罗齐认为人们的生活中处处充满着情感冲动，而我们抒发和表现这种情感冲的方式就是艺术。例如朋友圈深夜会出现的短诗和小作文就是代表。
英国史学家科林伍德对克罗齐的表现说做了进一步的解释。科林伍德认为艺术的内涵是创作者情感的表达（具体详见主观精神说），所以只有在情感的冲动下才出现了艺术。
像是沙俄的列夫托尔斯泰还有美国的苏珊朗格都是这种理论学说的支持着，苏珊朗格也在这种理论支持下建立了对形式说的进一步说明——表现型的形式（具体见形式说）

当然了，这个理论学说和游戏说一个毛病，都是二次来源的表达，在理论本身中并没有表述人类的这种情感宣泄的来源是什么，所以支持者算不上多。

第四种艺术起源学说就是重点啦——巫术说

英国著名人类学家爱德华·泰勒在《原始文化》艺术中，率先提出了艺术起源于巫术的主张。他认为远古人秉持着万物有灵的态度，因此会对非人的事物尝试进行人的沟通，而这种沟通逐渐演变成了艺术。
另一位英国人类学家弗雷泽则在《金枝》（这本书强烈推荐）中成，原始部落的一切风俗仪式都起源于交感巫术，而这种巫术一部分演变成了艺术，另一部分演变成了传统民俗。
交感巫术其实就是指那种有回应目的的巫术，例如祈雨跳大神这种就是一种典型的交感巫术。

这种理论随着考古学界的不断发展而被越来越多的人所认可。最经典的例子就是戏剧的起源，最早在古希腊时期戏剧是一种独特的巫术，古希腊人认为讲人间的故事通过表演来取悦神明，可以让神明给予更多的庇护。而随着城市化的发展，这项活动才慢慢的从“娱神”转变成立“娱人”在发展成当下的戏剧活动。

那么这个巫术说的影响力又有多大呢？不知道还记不记得前面提到的亚里士多德的模仿说？之所以他只雄霸了两千余年，正是因为巫术说的出现打破了其垄断地位，并顺势接管成为现在最主流的起源论，po也是认同这一观点的。

那么和巫术说相关的还有一个非主流观点：神授说
神授说是完全基于宗教艺术所发展出来的艺术起源论。这一论点中的支持者认为世界和万事万物都是上帝创作的，，包括艺术的媒介，制作者，欣赏者，还有其原始状态。由此推论出艺术是神授予的。
对于这个说法，我的态度就是图一乐就好

第五种就是劳动起源论啦，想必这个名字一听就能听出来其和马克思主张的劳动本质论有关。
没错，马克思就是劳动起源说的代表人物之一，不过第一次系统提出这个理论的是芬兰艺术学家希尔恩在《艺术的起源》中专门说明劳动与艺术的关系，俄国的普列汉诺夫也对这一观点进行大量的实例分析和论证。

这一观点最流氓的办法就是“化敌为友”。理论中讲支持人数最多的模仿说和巫术说都纳入其中，认为模仿是人类进行再创造的劳动行为，而巫术则是人类的特殊劳动，是原始人不科学的劳动行为之一，其本质都是劳动的产物。换句话说就是你们都只是我的组成部分之一，快来改信我吧桀桀桀(*ﾟ∇ﾟ)

当然其本身也有一定的有利支撑，类似于中国方言音乐中的重要组成部分——劳动号子就是完全在人类的生产生活劳动中所产生形成的，还有建筑学本身也是出于人类生产生活的需要而形成的。

第六种就好第五种并一起说好了，毕竟也没有啥营养。是马克思主义哲学家阿尔都塞所提出的多元决定论，他认为艺术的起源是多种多样的，我们没办法只通过单一的论断就对所有的起源进行囊括。
虽然说的很有道理但就是在和稀泥嘛喂！

>>No.52809328
稀泥门(￣︶￣)入

>>No.52817762
学界永远不乏稀泥门的存在( ` ・´)

( ﾟ∀。)艺……艺术史理论？
这比我个只会动笔的了解的多的多( ﾟ∀。)

>>No.52817762
接下来就是一些比较简单的小理论点啦，不过以下这些内容我觉得可能比较具有倾向性，每个人的想法都不太一致，所以不会那么太清楚的说的。

那么艺术品都有什么特点呢？一共有三点：形象性、主体性和审美性
形象性在王一川的书中又叫做兴象形，具体都是一个意思。形象性有三点表现方式
首先艺术形象是客观和主观的统一。艺术材料和媒介在艺术创作过程中肯定会有所改变，同样的，也有一部分注定无法改变，例如颜料的色彩，建筑材料的质地，歌唱家的音色等。无法被改变的就体现媒介客体本身的形态，而被改变的则表达创作者的主观抒发就像杜尚的《蒙娜丽莎·s》，仅在原作上画了两撇小胡子就完全改变了艺术品表达的情感。
其次，艺术形象是内容和形式的统一，艺术品既不能脱离表现形式论为单纯的概念，又不能流于形式没有任何内涵。像是南齐谢赫在说绘画六法中第一点就是气韵生动，所以从艺术理论上看来，梵高画出的星月夜是艺术形象，而大芬村画出来一模一样的数百张星月夜最多都叫工艺品而已。
最后艺术形象是个性与共性的统一。在众多的艺术类型中都有“典型人物”这一概念，要求的是典型人物既能代表其身处的阶层，又有别于一般人。

艺术品第二个特点就是具有主体性，主体性也有三个具体表现形式
首先艺术创作具有主体性的特点。在面对近似甚至是相同的物体上，不同的艺术家都有着不同的见解。就像是拍上海，既有《小时代》那种想当然的作品，也有《股疯》这种接地气的电影。
其次艺术作品具有主体性的特点。这一点实际上强调的是艺术作品的独创性和不可复制性，之所以现在NFT作品可以称作为艺术品，就是具有唯一性的这种特点。当然啦，作为古典艺术理论的顶梁柱级观点，这一理论也遭受到了现代艺术家们的狂轰烂炸，像是杜尚的《泉》和安迪·沃霍尔的《玛丽莲梦露》都是代表作。
最后艺术欣赏具有主体性。意思就是不同的人在面对同一件艺术作品时也是有不同的看法的，这收到观赏者生活经验和社会观念的限制。就像是对演奏乐器的理解，有的人认为弹的富有感情最好，而有的人认为弹的越快越好。

第三，艺术作品也一定要具有审美性，那么不出所料审美性也有三个表现特点。
首先艺术的审美性是人类审美意识的集中体现，说到底艺术是人产生的，所以审美一定要符合人的审美而不是动物的审美。
其次艺术的审美性是真善美的结晶。其实无外乎就是在强调不能只有形式美，也要有内容的伦理美。
最后艺术的审美性是内容美和形式美的统一，观点和上面一样以至于我有一些怀疑作者是不是在水字数( ﾟ∀。)7

歪个楼BB一句

为什么这些写书的一定要凑够三或三的倍数啊，是什么特殊的强迫症嘛(|||ﾟДﾟ)

害的我们考试时候内容也要往三点上靠，少了不给分，多了写不下(╬ﾟдﾟ)

>>No.52833206
嘛我觉得还是要理论实践相结合了
理论指导实践实践反过来延伸理论嘛

虽然我本人也是实践专业毕业的，但是现在也有认真做笔记喔(=ﾟωﾟ)=

>>No.52834375
三生万物( ﾟ∀。)

好串我住(=ﾟωﾟ)=

>>No.52839166
也不是没有道理( ﾟ∀。)

那么接下来就是艺术的发展过程了，大概的发展历程就是两大因素，自我发展和外部压力，用学术词语来说就是艺术的自律性和他律性。

自律性的表现在时间和空间两个层次上，具体表现就是两组辩证关系上，从时间上来看是继承和创新的辩证关系，从空间上看就是民族和世界的辩证关系。

首先是第一组辩证关系，时间上来说艺术的自身变化是继承和创新的辩证关系。继承上来说是多方面的继承，既包括对艺术媒介的继承，艺术技法的继承也包括对艺术表达的继承，不同的艺术风格和艺术流派都是对这个继承的多方位的理解。
同时要注意到艺术的继承是具有社会历史性的，由于社会历史时期发展生产力的限制，和艺术审美自身发展的连续性所导致。也就在不同的历史时期有具体的艺术表现，而从整体上看是存在内在矛盾的，这也就要求我们在进行艺术的继承上应坐到取其精华去其糟粕。
同样的，也由于艺术继承的社会历史性，就要求艺术发展进程中必须在继承的基础上完成创新。因为艺术的内核是对社会生活的反应，当社会生活产生了或将要产生变化时，艺术就要做出相应的转变。从审美理念上来说的话，观众对艺术品的审美标注求新的要求也在不断推动艺术的创新发展。
这种转变既包括对前人的转变，像是创作媒介的转变、创作技术的转变。也包括对自己的转变，类似创作理念的转变。

在第二组辩证关系上来说就是民族与世界的关系。民族其实换成一个更好理解的名词就是在地性，世界对应的则是全球化。
由于不同地区反应的社会生活有着不同的习俗，因此根据民族的不同艺术之间也有民族质地上面的差别。这种差别不仅体现在艺术的表达方式上，更体现在艺术内核之中，这种民族艺术的内核是深深根植于艺术家生活环境之中的，并且基于此其有了多元的具体表现方式，例如蒋彝的中国之眼和常玉的静物绘画，都是中国艺术内涵的多元表达。
当然民族内部的相互影响也是自律性的表现之一，艺术之间的相互交流和影响是构成现代民族艺术丰富表现的重要支撑。首先这种交流能够促进民族艺术不同短板之间的发展，同样也能为民族长板提供更多的支流分化和保留。例如当代日本还保留着中国失传的燕乐和破阵乐的变体。
世界性也不能简单的认为是全部民族性的综合，实际上跟接近于对民族性的提纯和凝练。世界性和民族性的关系就如同共性和个性的关系，他表现着每个民族性中都存在的表达因素。就如同《茶花女》中表现的人性的光辉是全世界人民所都能理解和共情的。

内部的发展因素说完了，就简单说一下外部的影响吧
外部事物对艺术发展进程的影响称之为他律性其中包括了艺术与社会、经济、政治、宗教、道德观、科学还有哲学之间的关系。在这里面经济和哲学是对艺术发展进程中影响的最大的两盅因素。哲学就不用太详细说了，串开始说到的艺术本质学说中甚至看得出基本上和哲学的发展是同步的。而经济则是在当下的对艺术影响最直观的因素，我们甚至不难看出资本介入后对艺术的发展有多么大的影响。
而宗教则是这些因素中对艺术发展影响面最广的，就如同黑暗的中世纪时期艺术的发展基本上是被人按了暂停键一样。

自律性和他律性本质上也是法兰克福学派代表人物阿多诺根据艺术本质理论所提出的衍生产物，在之前也有说过。强调自律性和他律性这两个概念的本质意味就是为了提醒艺术业内人士要着重发展艺术的自律性，摒除资本、政治为代表的他律性所干扰艺术的自我发展。

讲到这里其实艺术是什么就已经说的差不多了，那么接下来就要讲一下艺术过程中各个细节的具体内容啦

那么首先要讲的就是艺术家了，艺术家通常是指专门从事艺术生产的创造者的总称，应当具备艺术天赋，通过专门的艺术技巧来创作艺术作品从而满足人们的审美需求。不过这个词在现当下的社会中已经出现明显的污名化了倒是| ω・´)

艺术家们内部具有多种多样的职业和分工，根据不同种类的艺术创作和艺术创作过程中的不同职能而进行分量。所以也就要求了艺术家一定要具有专门的艺术技能，通常是要熟练掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。在此之上，艺术家还必须有卓越的创造能力和创作个性，具有强烈的创新意识。如同梵高的作品在当时是对保守的学院派绘画技巧进行挑战，而当下大芬村里面流水线绘制出来的同样作品就只能算工艺品而已。艺术家往往具有为艺术而献身的精神，艺术生命要高于自我的生命。

说起来po身边认识的这些学艺术相关的，往往精神状况上有明显问题的人会比其他人都具有更出色的艺术才能，生命中的痛苦成为了她们艺术上的宝藏。每当想到这里时我都满觉得其实什么都市传说中“和恶魔做交易”的人是真是存在的，绝大多数的艺术家实际上就是生活中的幸福来换取才能罢了(;´Д`)

那么艺术家在创作艺术作品的过程自然就是艺术创作过程了。

彭吉象老师认为艺术创作活动是人类特有的一种高级、复杂的实践活动。艺术家在创作欲望的推动之下运用一定的艺术技巧将自己的审美意识具象化形成了艺术作品。
艺术创作过程分为三个环节：艺术体验活动、艺术构思活动和艺术传达活动。事实上最早在清朝画家郑板桥的理论中就有提到过类似的“眼中之竹、胸中之竹、手中之竹。”

艺术体验活动，是指一种活跃于创作者内心的活动，源自于创作者对生活的观察和思考，从而萌发出不可遏制的创作欲望。雨果在他十六岁时候就在巴黎法院门前亲眼看到了一个女仆因为所谓盗窃罪受到了酷刑的惨状，这在他之后所创造的《悲惨世界》中也有所体现。说的通俗一点，艺术体验活动就是指艺术源自于生活。

艺术构思活动是指艺术家在观察生活的基础之上加以选择、提炼、加工等方式构成的主客体统一的审美印象。在生活中获得了灵感之后，艺术家们都需要有一个打腹稿的阶段，在这个阶段中把收集来的素材赋予自己主观的想法和观点，不断完善自己作品的构想。
这一阶段中想象和情感具有非常重要的地位和作用，想象是艺术构思的核心，情感是艺术构思的动力，两者共同作用形成了艺术家在头脑之中经过艺术创作形成的审美意象，这就是艺术品的胚胎形式。

艺术传达活动就是艺术创作过程中的最后一个环节了，他就是指艺术家借助物质材料将自己脑海中的审美意象物态化出来，成为可供他人欣赏的艺术作品。这一个过程中实际上就是艺术家在为艺术材料“开光”的过程，艺术家们借助物质媒介来传达自己潜藏于内心当中的理念。这一环节需要艺术家结合自己的艺术技巧和情感，如果情感不够的化那么作品的内核就变得非常浅显，技术不足的话又没有办法很好表达自己的内心。

我肥来了啦

那么无论是在艺术家进行艺术创作的构思时间，还是在艺术家的创作过程中都会有心理活动贯穿始终，这种心理活动在学术上被称作艺术思维，由形象思维、抽象思维和灵感思维所组成。

形象思维就是指艺术整个的创作过程中倾向于具体化的思维表现,侧重于在艺术作品的构成上。形象思维是人类能动的反应世界的基本形式之一，具有以下三个特点：一是形象思维始终不能离开感性形象，塑造的作品一定是真是可感的。二是形象思维逻辑不依靠逻辑推理，而是依靠想象、情感等多种心理功能。三是形象思维具有整体性的特点，强调从整体上把握作品。

抽象思维就是运用概念来进行判断推理和论证的思维形式，是相对于形象思维而论述的。主要运用于社会科学等领域，通常是有逻辑性的思维准则。

灵感思维就是指在创造活动中人的大脑皮层高度兴奋时的特殊心理状态，具有偶发性、突发性和稍纵即逝的特点。
这三个思维逻辑在艺术创作的过程中相互影响相辅相成，但是形象思维始终占据主体的地位。

那么除了上面说到的三种最常见的心理活动外，还有另外一种很少出现的情况——艺术创作的无意识行为。
这种行为由弗洛伊德所提出的冰山理论，他后来把这一理论丰富为三重人格理论，也就是我们所常说的“本我自我超我”。那么根据这个理论，当艺术家进入到了“心外无我”的状态后，创作行为会趋向于自己所塑造出来的形象，那么就会出翔很多细节上的无意识塑造，比如说演员把自己完全投入后，有很多行为是符合角色“自然而然”发生的，并非艺术家的刻意塑造。

艺术创作的环节都讲完了，就到了创作之后的部分了。
艺术家们根据自己作品的近似处或不同会进行积聚于排斥，在这一整合过程中，慢慢的就形成了艺术风格、艺术流派、艺术思潮。

艺术风格是指艺术家在多个作品中都普遍出现的特点或创作技巧，会带有艺术家的个人特色风格。艺术风格具有多样性，，每个人都有其不同的风格；艺术风格的形成离不开艺术家独特的人生经历；艺术风格的多样性也来自于审美需求的多样化的缘故。

当艺术风格近似或者由某些共同因素存在的艺术家们普遍出现后，多多少少会靠近到一起，这样就形成了艺术流派。
艺术流派的形成大概有三种形式，像是上面这种艺术家们自主聚集，有着明确的组织、领头人甚至口号的情况是最常见的。除此之外这些艺术家们还可能产生了无意识汇聚，比如高更和梵高、马斯洛之间的相互结识和影响，但是形成了一个风格近似的流派。
第三种就是艺术家们在作品中表现出了类似的特质，但是他们自身没有集聚，后世学者为了方便将其归纳而归结为一个流派，例如建安文学、荒诞派戏剧等。

当多种多样的艺术流派之间互相影响、碰撞和摩擦时，自然就会产生艺术思潮，通常是指在艺术理念上的论战。但事实上纯粹的艺术思潮很少见，例如法国的新浪潮运动就是因为看不惯旧好莱坞的模板化制作而出现的。
大部分的艺术思潮其实都伴随着文化思潮、社会思潮等现实衍生出现，例如文 革之后所出现了一波拨乱反正的社会思潮，随之出现的就是大量的反思文学和伤痕文学。